Más cine por favor.

[ronindo]

Voy a darle un empujoncito al "Curso de cine".

La música.

Aunque los términos han llegado a confundirse y actualmente definen lo mismo, hay que distinguir entre música y banda sonora (soundtrack).

Ya he explicado lo que es la banda sonora en el celuloide, la música sería la parte de esa banda sonora que no son diálogos o efectos sonoros (o silencios claro).

La música está para crear ambiente pero también para subrayar determinadas escenas o provocar golpes de efecto (música incidental).

La música debe adaptarse a la escena que acompaña y no ser un simple añadido, una inadecuada melodía puede destrozar una escena dramático o quitarle toda la gracia a una cómica.

¿Qué sería de la escena en la ducha de “Psicosis” sin los aullidos de violín compuestos por Bernard Hermann?
¿A alguien no le vienen a la cabeza los acordes de violonchelo cada vez que ve la aleta de un tiburón surcando el mar?
¿Quién no se emociona cuando ve en pantalla eso de “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana…” acompañado por las fanfarrias de John Williams?

El maestro John Williams en plena faena.

El tema de la música está siendo dejado un poco de lado en las producciones actuales, mucho más preocupadas de seleccionar canciones populares para luego vender álbunes, que de crear auténtica música que perdure en el recuerdo del espectador.

Fijaos en cualquier film clásico, existen innumerables películas en las que desde el principio al final suena música ininterrumpidamente, creando atmósfera, puntuando determinados momentos y logrando emocionarnos. Y todo ello de un modo sutil y apenas perceptible. ¡Eso eran bandas sonoras!

En una película es recurrente el uso de lo que se conoce como leitmotiv, se tratan de variaciones sobre un mismo tema interpretadas de modo acorde con la escena que acompañan. El leitmotiv puede surgir desde el acompañamiento en los créditos y surgir de modo apoteósico en el momento cumbre de la película.

[ronindo]

El sonido.

Como ya he comentado la banda sonora consta de la música, el diálogo y los efectos de sonido.

Como dato técnico decir que el sonido puede ser diegético o no-diegético. Sonido diegético significa sonido relacionado con la historia, sonido que se origina desde algo que se puede ver en la imagen. No-Diegético es un sonido que viene de fuera de la imagen. La fuente del sonido no se ve en la película, como por ejemplo un disparo anónimo.

El diseñador de sonido.
Es el encargado de diseñar el sonido de las diferentes escenas de la película, tanto de la música, los diálogos y los efectos de sonido, se trata de lograr la mejor solución técnica y artística para el conjunto de la película.


Operador de Boom (segundo hombre de sonido, asistente de sonido).

El operador del boom es asistente del diseñador de sonido (operador de sonido) este dirige el microfono, el cual está fijado al final del boom, de forma tal que la voz y los sonidos que producen la respiración y la ropa puedan ser grabados durante la toma. El trabajo requiere precisión, ya que el micrófono se dirige con el boom a un encuadre para obtener el sonido lo mejor posible..

El operador del boom también se encarga del sistema de grabación del sonido, micrófonos y cintas conjuntamente con el operario de sonido.

El operador del boom es el encargado de realizar la grabación de los diálogos y algunos efectos sonoros. A menudo los efectos de sonido (golpes, puñetazos, disparos, chirridos… son añadidos a posteriori en el departamento correspondiente (a veces el mismo que realiza los efectos especiales), por el encargado de sonido durante la post-producción.

En España la labor de dichos técnicos se pierde en gran medida dado que el grueso de los estrenos es cine anglófono y en el doblaje se anula casi toda su labor. Pero es en las producciones nacionales donde su trabajo queda patente, y debo decir que respecto a USA estamos bastante retrasados. Baste verse cualquier film en V.O.S. para, sobre todo si se tienen nociones de inglés, darse cuenta que se puede entender todo claramente. Sin embargo es muy frecuente que en nuestro cine existan líneas de diálogo prácticamente ininteligibles (unido a la mala dicción de los actores, ¿alguien se enteró de los dialogos de “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”, especialmente de Benito Pocino?) y continuas variaciones de volumen.

José Luis Garci es uno de los escasos defensores del doblaje y llega al extremo de doblar al castellano sus películas (lo que incluso lo ha llevado a pleitos por no utilizar al mismo actor para doblarse a sí mismo) con lo que ganan en comprensión pero pierden en naturalidad y perjudica bastante la labor del actor restándole espontaneidad.

Como dato anecdótico el hecho de que en ocasiones se vean las “jirafas” durante una proyección no suele ser achacable al técnico de sonido, sino a la torpeza del proyeccionista que no “corta” adecuadamente la imagen para adaptarla al formato del film. Por eso es raro que ocurra en la emisión en TV.

Ampliación de información e imágenes: Cinemaesencia.

[ronindo]

Los efectos de sonido.

Como dije los efectos de sonidos son aquellos “ruidos” añadidos para crear ambiente, sorprendernos, y dar verosimilitud a una escena. A menudo se recurre a la exageración para mejorar sus resultados. En la vida real los puñetazos, disparos, chirridos o golpes no suelen sonar de manera tan contundente siendo habitualmente enmascarados por los múltiples sonidos que nos rodean de modo imperceptible (por eso de noche, cuando todo está en calma los ruidos parecen más amenazadores).

A todos nos viene a la mente, al pensar en un técnico de efectos sonoros a un personajillo encerrado en un estudio rodeado de cocos (para simular los cascos de los caballos), pequeñas puertas (para emular chirridos y portazos), cadenas, bocinas, timbres, planchas de metal (para los truenos)… y efectivamente así era hace unos años.

Hoy en día gracias a la era digital, apenas trabajan con un ordenador con una enorme librería de archivos de sonido. Pero todavía se les puede encontrar con una grabadora a la caza y captura de nuevos sonidos.

Los efectos de sonido incluyen sonidos artificiales o naturales excepto el habla y la música. Por ejemplo, los sonidos de un choque de carros, una pelea de bar, una avalancha, o una invasión marciana son realizados utilizando efectos de sonido.

El efecto de sonido describe la fuente de sonido de tal forma que esta puede ser identificada. La habilidad humana para discernir entre varios sonidos no es muy aguda. Escuchar y comprender lo que se escucha tiene que ser aprendido. Es por esto que por lo que Usted puede entrenar su oido: un buen músico puede discernir si un instrumento está fuera de tono, un observador de aves experimentado puede reconocer varias especies de pájaros.

En cuanto concierne a la expresión de una película, la impresición del lo que se escucha es una ventaja, ya que el espectador complementa su impresición al escuchar con imágenes basado en su experiencia. Por ejemplo, los efectos en las películas de horror se complementan en la imaginación del espectador dibujando sus efectos desde los propios temores del espectador. El resultado es aún mayor temor.

Ampliación de información e imagen: Cinemaesencia
Podeis ampliar conocimientos en: http://www.iua.upf.es/~perfe/cursos/post...tema1.html

[ronindo]

El siguiente texto es muy especial para mi. Cuando existía mi foro un habitual me pidió un artículo para una revista local que editaban con motivo de un pequeño festival de cine en su pueblo. Yo había escrito este texto anteriormente y me pareció adecuado. Finalmente hubo que hacerle diversos retoques y tuve que crear un final que hiciera alusiones a los festivales de cine.
Con todo fue publicado y por primera (y última) vez pude ver algo escrito por mí impreso en una revista.

Aún así releído aprecio un pesimismo con el que ahora no estoy tan de acuerdo. Creo que el cine está en continua evolución y hay que mirar atrás con respeto y admiración pero no tanto con nostalgia.

Quo Vadis? ¿Hacia dónde se dirige el cine actual?

El cinematógrafo surgió como curiosidad científica y mera atracción de feria. Pronto pasó a ser un divertimento con el que los afortunados poseedores de un proyector, yendo de pueblo en pueblo, asombraban a las gentes previo pago de una entrada. Son los inicios de una enorme industria.

La creación de salas de proyección y la aparición de los estudios y productoras dan lugar a la industria cinematográfica tal y como se conoce hoy en día.

Inicialmente como parte de los espectáculos de salas de vodevil es, a partir de 1905, cuando surgen los “nickelodeon” pequeños teatros de fachada de almacén con capacidad de hasta 200 personas donde los espectadores pagaban sus “nickel” para presenciar una sesión de cine. Conocido como "el teatro del pueblo", las primeras películas atrajeron fundamentalmente a público obrero e inmigrante que halló en los nickelodeon sencilla diversión familiar. Puede ser que no fueran capaces de leer novelas o periódicos pero entendían aquellas simples imágenes en movimiento.

Una sesión de nickelodeon constaba de unos seis cortos de 10 minutos que abarcaban varios géneros: comedias, dramas, documentales o aventuras.

Pronto las películas pasarían de ser simples muestrarios de anécdotas o trucos de cámara para empezar a mostrar argumentos e historias más complejos. El artífice de este cambio es D. W. Griffith, que con su “El nacimiento de una nación”, un film épico de más de tres horas, acaba con el concepto de cortometraje y prácticamente crea la industria del cine.

Comienza así a ser considerado como un medio de expresión artística. Las películas se vuelven más ambiciosas, adaptando obras literarias (“Ben-Hur”, “Oliver Twist” o convirtiéndose en crónicas de la historia (“El acorazado Potemkin”, pero nunca olvidándose del público intentando hallar el equilibrio entre comercialidad, calidad e innovación.

Tras la Primera Guerra Mundial surgen los primeros estudios: Fox, Paramount y Universal y se produce el asentamiento en la soleada California. Aparecen también las primeras estrellas cinematográficas, gente como Chaplin, Rodolfo Valentino, Mary Pickford o Fatty Arburckle. Nace el Star-System.

Los estudios son conscientes del enorme mercado que tienen en sus manos y ponen todos sus esfuerzos en la realización de películas que puedan gustar al mayor espectro posible de edades y públicos, el éxito se mide en taquilla.

La aparición del sonoro supone una renovación tanto estética como conceptual, nuevas estrellas sustituyen a las viejas glorias del sonoro.

La 2ª Guerra Mundial provoca una de las mayores crisis de la industria, para paliar el incesante goteo de espectadores surge la serie B. Las películas de serie B son realizadas con menor presupuesto (con excepciones) y generalmente tienen menor metraje (alrededor de los 50 minutos) para completar las sesiones dobles que ofrecen los cines para atraer al público. Son films menores que encierran no pocas joyas y que suplen con talento lo que no tienen de medios. Generalmente películas de género (comedias, western, aventuras y suspense) y seriales de decenas de episodios.

Los 60 suponen la desaparición de la serie B al dejar de existir el concepto de sesión doble, los films de bajo presupuesto seguirán existiendo y se adjudicarán la etiqueta, pero nunca serán auténtica serie B. El asentamiento de la televisión supone otro revés a la industria que mira con recelo este nuevo invento que aleja de las salas a los potenciales espectadores que prefieren el calor de su hogar. Hollywood replica con la práctica desaparición del blanco y negro, la creación de grandes formatos de pantalla (Cinemascope) y experimentos como las películas en tres dimensiones

Entre los 60 y los 70 el cine experimenta una de sus etapas más interesantes, los movimientos estudiantiles, sociales y artísticos de la época ven su reflejo en las pantallas que se llenan de películas con contenido crítico y mensajes sociales que atraen a las mentes inquietas del momento. Es una época de vacas gordas donde lo comercial, lo artístico y lo crítico van de la mano directo a la taquilla.

Sin embargo la mayor crisis de la industria llega en los 80 con la aparición y auge del vídeo doméstico. El boom del vídeo-club hace mella en las taquillas de todo el mundo que sufren una caída en picado nunca vista.

Los estudios contraatacan, si no se puede competir con la comodidad de tu propio salón se dará al espectador lo que allí no tiene: Pantallas gigantes, sonido de alta fidelidad y, sobre todo, espectacularidad. Las explosiones y los cada vez mejores efectos especiales parecen (y son) mucho menos impactantes en nuestro televisores. El cine es ahora el mayor espectáculo del mundo.

Todo lo que ganan en grandiosidad las películas, lo pierden en sutileza. Los films simplifican sus argumentos a lo anecdótico, los personajes se estereotipan, la acción ya no forma parte de la historia: Es su razón de ser.

El panorama continúa en los 90, los avances en efectos especiales generados por ordenador clavan aún más la estaca. La tecnología no parece tener límites, cualquier cosa imaginable se puede plasmar en una pantalla. ¿Significa esto un retorno a las buenas historias? No, todo lo contrario. Caídos en una espiral en la que la tele-basura también aporta su granito, el cine se inunda de subproductos idiotizantes (o para idiotas) dirigidos a adolescentes. Las salas se llenan de acné y palomitas.

El cine dirige su mirada a su mayor competidor, si no puede vencerlo se unirá a él. La televisión se convierte en la segunda fuente de ingresos de la industria, la venta de derechos exclusivos a televisiones, ya sean públicas, privadas, por cable o satélite; la posterior explotación en el mercado del vídeo y el creciente DVD generan unos beneficios que, en ocasiones, resultan más rentables que la explotación en salas con su gasto en copias, promoción y distribución.

La aparición del merchandising y la explotación del “éxito” cinematográfico del momento en otros medios (videojuegos, figuras y juguetes, camisetas, series de televisión, cómics) reportan beneficios impensables hace décadas.


El perfil del espectador medio es el de un adolescente, analfabeto funcional, comprador de videojuegos, camisetas o figuras basadas la última saga cinematográfica y habitual consumidor de palomitas y refrescos durante la proyección. Muchachos que desconocen las películas en blanco y negro y sólo leen los libros que les obligan en la escuela. Hollywood dirige su mirada hacia ellos.

Desgraciadamente los jóvenes de ahora no son igual que los de hace 50 años, la televisión y la falta de cultura los hacen menos sofisticados que entonces. Tampoco ayuda la falta de inquietudes políticas y la indiferencia social. Ello repercute en las películas. La falta de ideas, los malos guiones y diálogos, la estupidez en suma, son la nota predominante en el cine actual.

Excepciones, afortunadamente, las hay. Pero cada día resulta más difícil encontrar una perla entre tanto estiércol. ¿Realmente la industria del cine se puede permitir los caprichos artísticos de un Lynch, Allen, Coppola o Scorsese si luego la taquilla no responde? ¿Quién financiará sus películas si estas no generan beneficios?

Para los que como yo amamos las películas, los que hemos mamado los ciclos de Cine negro de "la primera" cuando sólo había dos. Los que seguimos "Con H de humor", "Mis terrores favoritos", los ciclos de "Cine Club" a actores y directores, el varias veces emitido "Ciclo Alfred Hichcock", "La clave" precursora de "¡Que grande es el cine!", aquellos films del Tarzán de Johnny Weissmuller en la sobremesa, "Sábado Cine", "Primera sesión", y tantas y tantas películas clásicas y en blanco y negro que amenizaron nuestra infancia, a todos nosotros he de decir que el cine tal y como lo conocíamos está en fase terminal.

Qué se puede esperar de las próximas generaciones de espectadores que jamás verán un film en blanco y negro o anterior a 1980 sino es en "La 2" y a altas horas de la madrugada (y encima en V.O.S. otro escollo).

Qué cabe esperar de gente que no conoce a Gary Cooper, James Steward, Cary Grant, Howard Hawks, John Ford, John Houston, Mankiewichz, Bette Davis, Ava Gardner, Katherine Hepburn...

Qué de gente que no ha visto "Casablanca", "Ciudadano Kane", "Centauros del desierto", "El hombre tranquilo", "La reina de África", "El tesoro de sierra Madre", "Furia"...

Qué de espectadores que ven canales de televisión en donde no se respetan los formatos, se emiten films coloreados en lugar de los originales en Blanco y negro, se cortan los créditos, se interrumpen las emisiones para emitir bloques de publicidad de 20 minutos cada 15...

Y lo que es mucho peor, qué se puede esperar de estas personas cuando se metan a directores de cine.

Creo que el cine de autor, los dramas, films con crítica social, experimentales o sencillamente profundos tiene los días contados.

El cine se dirige hacia la acción, los efectos especiales, los diálogos telegráficos, guiones de parvulario y los actores más ocupados de su físico que de su actuación.

El CINE quedará para las filmotecas, las colecciones de DVD clásicos, las salas de "V.O.S", las televisiones privadas y "La 2" a las tres de la madrugada. En las carteleras sólo estará el vacío y la nueva tanda de "films de calidad" para los siguiente Oscar y que nadie verá.

Puedo ser tremendista pero sólo hace falta ver el periódico y comparar el número de salas de películas comerciales con el de film más serios (y de estos casi todas en V.O.). ¿Cuánto tardarán los Ideal, Renoir y Alphaville en sucumbir al cine comercial?.

Yo no tengo la respuesta, pero creo que el futuro del cine no pasa por la calidad. Tendremos que conformarnos con la evasión y el espectáculo en la mayor involución que ha sufrido un arte: el cine ha vuelto a ser una atracción de feria.

Os cedo la palabra.

[ultramort]

Pesimista, pero bueno, muy bien Ronindo. Comparto tu opinión.

[larean]

Fellini era otro flipado del doblaje. De hecho, en el cine italiano se sigue usando muchísimo, lo que permite a los directores usar actores de todas partes (Visconti a Burt Lancaster y Helmut Berger, Scola a Harvey Keitel, Bertolucci a De Niro y Depardieu, Tornatore a Philippe Noiret...

[larean]

Respecto del leitmotif, Williams (y tal vez Howard Shore) es un verdadero maestro. En la mayoría de las películas previas a Williams más que un leitmotif hay un tema que se repite de diversas formas (la Marsellesa y As Times Go By en Casablanca, por ejemplo, el tema de Lara en Zhivago). Pero Williams usa el leitmotif como Wagner, asociando un cierto tema a un personaje, un sentimiento, un paisaje, o incluso un concepto abstracto como la Fuerza. Los más evidentes son el tema de Luke y el de Darth Vader, además del citado de la Fuerza. Es interesante cuando estos temas se mezclan musicalmente, como hacía Wagner en el Anillo. Por ejemplo, en el lírico tema de Anakin Skywalker niño se insinúa, en las notas finales, el tema de Darth Vader, pero en legato, no en staccato, con lo que mantiene una ambigüedad premonitoria: reconocemos el tema como asociado con algo malvado, pero la dulzura de la música le roba ese elemento siniestro. Yo siempre pongo ese pequeño pasaje como ejemplo de la maestría de Williams.

Shore hace algo semejante en El Señor de los Anillos: hay un tema para el anillo, otro para la comunidad, otro para Rohan, otro para Gondor, otro para los hobbits, otro para los elfos...

[ronindo]

Exacto Larean, precisamente eso es el leitmotif, cada personaje puede tener el suyo y varía o se insinúa según la escena.

El leitmotif por excelencia es el popular tema de James Bond que se repite incesantemente en todas las películas mezclado en ocasiones con el tema principal (el de los créditos) que también se convierte, a su vez, en leitmotif durante toda la película.

Sobre el doblaje tampoco es raro que muchas escenas se doblen tras el rodaje por problemas de sonido no localizados en su momento.

[Acorrecto]

Fellini era otro flipado del doblaje. De hecho, en el cine italiano se sigue usando muchísimo, lo que permite a los directores usar actores de todas partes (Visconti a Burt Lancaster y Helmut Berger, Scola a Harvey Keitel, Bertolucci a De Niro y Depardieu, Tornatore a Philippe Noiret...

Sin embargo, el mejor cine italiano, desde el costumbrismo nostálgico al neorealismo o la misma comedia "a la italiana" ganan un 100% en VO.
A mí me lo parece...

[ronindo]

Todo el cine gana en V.O. pero no es de lo que hablábamos se trata de doblar en el proceso de edición de sonido, unas veces por capricho o elección del director (Fellini, Garci y... Ozores) y otras por cuestiones técnicas.

En las coproducciones se produce una auténtica torre de Babel, muchos actores de diferentes nacionalidades hablando cada uno en su propio idioma. No es raro encontrarse a DeNiro o Sutherland hablando en inglés y a Deppardieu en francés en Novecento mientras la mayoría del reparto lo hace en italiano. Luego se dobla a cada actor en el idioma del país de exhibición y todo solucionado.

[Acorrecto]

Creo que debería leerme los post enteros antes de decir una idiotez...

[ronindo]

Ahora sí.

-El doblaje.

El doblaje no es otra cosa que la adaptación de los diálogos en el idioma original de una película a otro idioma, grabando una pista de audio con las voces por actores de doblaje del idioma del país.



En España existe una gran tradición en este aspecto, principalmente debido a la etapa franquista en la que la exaltación de los valores patrios fue llevada a todos sus extremos prohibiendo la edición y proyección de obras en otro idioma que no fuese el castellano.

Es famosa en todo el mundo la gran calidad de nuestro doblaje, pero sobre todo destaca por la perfecta sincronización de las voces a los movimientos de los labios y la buena “interpretación” de nuestros actores de doblaje. Otro tema sería el de la conveniencia de determinadas voces con ciertos actores donde, a menudo, cualquier parecido con el original es pura coincidencia (y sino que se lo digan al pobre Will Smith al que no se resisten a quitarle la voz de graciosillo de “el principe de BelAir”

Otras veces la mala elección de voces crea doblajes tan lamentables como el de el film “El resplandor” de Kubrick, donde los esforzados trabajos de Verónica Forqué, Rafael Taibo y el actor que ponía su voz al comandante “Cousteau” no salvaban del desastre unas voces tan inadecuadas. Aunque hay que mencionar que dichas voces fueron escogidas por el propio Kubrick al que su empeño por controlar hasta el último detalle de sus films le obligaba a seleccionar las voces de doblaje en los países en que se estrenaban sus films.

Hoy en día se sigue la sana costumbre de asociar determinadas voces con una serie de acores americanos. Nadie puede imaginar a Bruce Willis sin la voz de Ramón Langa (y si no revisad “El último hombre”. Lo cual ayuda al espectador a relacionar a los actores con “su voz”

GRABACIÓN DE VOCES EN SALA

La grabación de voces (voices recording) tiene lugar en la sala de grabación (recording room), se trata de una habitación completamente insonorizada donde hay una pantalla para proyectar la imagen si ésta proviene de una copia de trabajo en formato 16MM o 35MM, o bien un monitor de TV si la imagen proviene de una cinta de video. Hoy día el formato 16MM está materialmente anulado, hasta 1990 aproximadamente se utilizó bastante en los doblajes para TV.

En la sala también hay un escritorio para uso del director de doblaje y un atril con un micrófono incorporado donde el actor o actores se sitúan. Sobre el atril hay unos papeles con el texto de los diálogos a doblar.

Contiguo a la sala de grabación y comunicada con ésta por una o dos ventanillas, está la cabina de proyección desde donde se proyecta la imagen de la película, sólo si el formato de la copia de trabajo es l6MM o 35MM, si el formato es video la imagen la proporciona directamente el mixer.

El mixer es una habitación pequeñita, contigua también a la sala y comunicada con ésta por un ventanal, donde está la maquinaria de grabación atendida por un técnico. A este pequeño habitáculo siempre se le ha denominado con el nombre en inglés (mixer), en el doblaje siempre hubo muchos anglicismos que van desapareciendo con las nuevas tecnologías.

En una sesión de grabación, el director de doblaje sentado junto al escritorio llama al actor o actores que intervienen en el take para que ocupen su lugar en el atril. El director indica al operador de la cabina de proyección o al mixer, depende del sistema de la sala y del formato de la copia de trabajo, el número del take a proyectar, la imagen de éste aparece en la pantalla en idioma original, los actores de doblaje oyen el diálogo, el director da la indicaciones que cree convenientes, los actores ensayan, cuando el director lo cree oportuno quita el sonido dejando la imagen muda, los actores siguen ensayando hasta que el director da la orden de grabar, las luces se ponen en rojo advirtiendo del registro y el técnico del mixer graba el diálogo.

Una vez terminada la grabación del take el director, antes de darlo por bueno, oye lo grabado junto con la imagen para ver si la sincronía e interpretación han quedado bien. Y así sucesivamente hasta terminar con todos los takes de diálogo y que éste quede listo para la mezcla.

Hasta finales de los años cuarenta, las grabaciones se efectuaban sobre material fotográfico. Éste era un mal sistema porque lo grabado no se podía borrar, cuando se cometía un fallo había que desechar ese trozo de material y poner otro nuevo. Muchas veces, con tal de no desperdiciar mucho material aceptaban los fallos, con el consiguiente deterioro para la versión doblada. Pero, a partir de la fecha anteriormente indicada, apareció el material magnético y el problema dejó de existir, con este nuevo tipo de material se podía borrar y volver a grabar, el doblaje dio un gran paso de gigante.

Desde principios de los noventa, la mayoría de los diálogos se empezaron a grabar en disco duro (hard disk), van a parar a un MAC formateado. Actualmente la nitidez de sonido y la comodidad de grabación son absolutas. Afortunadamente el doblaje se está beneficiando de la tecnología punta que constantemente está aflorando, el sonido ha dado un gran paso hacia delante, hacia la perfección, lástima que no haya sucedido lo mismo con la calidad de los diálogos.

Ampliación de información: eldoblaje.com

[ronindo]

Doblaje Vs V.O.S.

Respecto al debate entre los defensores del doblaje y los de la V.O.S. yo opino que si dominas el idioma original (aunque sea poco) o lees suficientemente rápido, siempre ha de preferirse los subtítulos al doblaje, ya que es el único modo de apreciar realmente la labor interpretativa de un actor con todos sus matices. Lo contrario es como escuchar las versiones de canciones conocidas de los chicos de O.T., la canción y la música puede ser la misma, pero la voz y, sobre todo, la interpretación nunca será igual al original.

Los detractores del subtitulado alegan, y no sin razón, que en el subtitulado se simplifican muchos diálogos. Esto es cierto y perfectamente comprobable. Baste ver un DVD en idioma y subtítulos en castellano para ver que son mundos aparte.

También prefiere mucha gente el doblaje sencillamente por su comodidad. Es más fácil seguir el hilo con las voces en nuestro propio idioma.

Yo no estoy del todo de acuerdo con esta afirmación, creo que leyendo los subtítulos añadimos un esfuerzo adicional que redunda en una mayor concentración. A mi me es más fácil recordar diálogos de las películas que he visto subtituladas.

Lo que está claro, y ambos “bandos” estarán de acuerdo conmigo, nada puede sustituir la voz real de un actor. Escuchad a Chazz Palmintieri en V.O. y decidme qué voz puede hacerle justicia sin resultar artificial.

Existe otra alternativa al doblaje o a la V.O.S. y es la traducción simultánea. Este sistema es muy popular en los países del este.

El método consiste en ponerse unos auriculares por los que iremos escuchando a una persona que va “retransmitiendo” los diálogos a medida que los lee de una copia del guión, es parecido al sistema de traducción que utilizan los políticos en sus reuniones internacionales.

Yo tuve la experiencia de “sufrir” este método una vez en la Filmoteca Nacional. Fui a ver “La llama eterna” con Spencer Tracy y Catherine Hepburn y la experiencia fue horrible. La chica que leía el guión era totalmente inexpresiva, parecía un robot y para colmo (no se si ella podía ver la pantalla) los diálogos iban por un lado y ella por otro. Además se equivocaba continuamente y se le acumulaban las frase, por lo que cuando ya nadie hablaba ella seguía leyendo lo que le faltaba, para colmo nunca sabías que personaje era el que hablaba en ese momento. Encima los auriculares te impedían oir claramente el sonido original y eliminaban todo efecto de sonido y la música. En definitiva un desastre.

También he visto en canales extranjeros emisiones de películas con traducción "simultanea" y en este caso es similar a esos documentales en los que los entrevistados hablan en su idioma original y un traductor superpone su voz sobre la de este. Horrible también.

Mi posición se decanta más hacia la V.O.S., pero a los que no os guste os recomiendo que si tenéis DVD visionéis vuestras películas al menos una vez subtituladas, será como ver una película totalmente distinta y la disfrutareis de nuevo más y mejor.

[ronindo]

El montaje

Parafraseando al gran Orson Welles diré que películas mediocres pueden salvarse y obras maestras destrozarse en la sala de montaje.

El proceso de montaje (o su actual equivalente digital, la edición) consiste en seleccionar las diferentes tomas del metraje rodado y unirlas (montarlas) en un todo dándole coherencia y continuidad.

El montaje se realizaba con un aparato llamado moviola en el que se ven las diferentes tomas y dónde se puede alterar la velocidad de visionado, parar la imagen, avanzar y retroceder (de ahí viene el término “la moviola” de los programas de futbol). Actualmente existen dos sistemas de montaje que tienden a hacer desaparecer la moviola. Se trata del AVID. Es una mezcla de montaje que utiliza vídeo y ordenador. Posee 4 canales de video, una amplísima paleta de efectos digitales de imagen y 24 pistas de sonido digital de 48 kh. Trabaja con el negativo, por lo que no hay necesidad de positivar la imagen, que se digitaliza y se introduce en el ordenador. Se accede inmediatamente a cualquier fotograma, y se puede aumentar, transformar, colorear, eliminar y trucar cualquier elemento.

Se eligen las escenas correctas de las diferentes rodadas (pueden existir varias “tomas buenas” de una misma escena), los diferentes encuadres, planos y contraplanos y se cortan y pegan dándoles unidad. Se marca así el ritmo del film dotándole de más o menos según el número de planos o su duración.

Se ponen o quitas determinadas secuencias, mediante un acertado uso de la elipsis y los fundidos, mostrando más así o sugiriendo.

En definitiva uno de las labores más importantes de un film y, a menudo, más desconocidas o poco apreciadas.

Tipos de montaje:

Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado.

Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.

Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.

Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.

Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.

El experimento Kulechov: Kulechov, antes de 1920, descubrió que el orden en la yuxtaposición de planos de actores, con otros objetos, podrían modificar sustancialmente el significado del mensaje.
Tres públicos diferentes vieron el primer plano del actor Mosjukhin, junto a otros tres planos completamente diferentes: un plato de comida, un féretro y una niña pequeña. El primer público lo encontró pensativo, el segundo triste, el tercero complacido.

Es habitual que el montaje final sea supervisado (o realizado en su totalidad) por los directores y el montador apenas se limita a cortar y pegar lo que este le indique. Pero desgraciadamente el productor suele tener la última palabra sobre qué quitar y poner (que se lo digan a Scorsese y “su” “Gangs of NewYork”, lo que ha dado lugar a las famosas “director’s cut” en las que los directores montan el film de la manera en que siempre desearon (no deben confundirse con las versiones restauradas o con nuevos efectos de la 1ª trilogía de “Star wars” o “E.T. el extraterrestre”.

La intromisión de algunos productores a llegado a los extremos de que el director reniegue de su autoría y se firmen films con el seudónimo de Allan Smithee.

Ampliación (fusilado) y fotos http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyed...jecine.htm

[Donatien]

Ronindo
Estupendos estos artículos sobre cine que nos pones.
Abajo el doblaje !!! hace un par de años que me niego a ver películas dobladas, ya no las soporto.
Por cierto el método de traducción simultánea se usaba bastante en festivales cuando no existía ninguna copia con subtítulos, es incómodo pero es la manera de ver en original una película que no existe subtitulada, el truco era regular el volumen para oir bien el sonido original y escuchar lo justo la voz que traduce, yo creo que mejor que sea inexpresiva, simplemente que sea como si alguien te leyera los subtítulos pues en los casos en que el traduzctor decide "interpretar" el resultado es nefasto y te saca de la película.
De todas maneras, actualmente casi no se utiliza, ahora suelen poner una pequeña pantalla debajo de la principal y con un proyector de video se proyectan los subtítulos desde un portatil (por lo menos en el Festival de Valladolid y por lo que oido en la mayoría de festivales).

Respecto a Allan Smithee, vi hace unos años una película cuyo protagonista interpretaba a un director de cine llamado "Allan Smithee" no era una maravilla pero era bastante divertida (no recuerdo el título pero el actor creo que era Eric Idle, el de los Python).

Saludos

Edito: la película es "An Alan Smithee Film: Burn Hollywood Burn (1998)"
http://www.imdb.com/title/tt0118577/

[ronindo]

Sí era "¡Arde Hollywood! Una película de Allan Smithee" Lo divertido es que el director Arthur Hiller, renegó de ella y el director que consta es ¡Allan Smithee".

Yo no soy tan radical con las películas dobladas desde que existe el DVD, primero la veo doblada y, si la película o los actores lo valen, la vuelvo a ver subtitulada.

En Turquía en la tv de mi hotel se podían ver películas con traducción simultanea. Pero desconozco de qué país eran ya que si me sacas del inglés, alemán y francés me pierdo. Y no es que los hable, pero los reconozco.

[Donatien]

He editado localizando la peli mientras contestabas.
Yo he llegado a localizar el sonido original y los subtítulos y reeditar dvds que no venian en original, con tal de ver y tener algunas películas en VOS.

Cuando tenía hace un par de años Tv digital vi que en algunos paises (Polonia creo recordar) no doblaban las películas para Tv , les añadían en Off la traducción simultanea.

[ronindo]

En Mexico hasta las series de tv las emiten subtituladas.

Yo creo que con las tv digitales se debería dar SIEMPRE la posibilidad de elegir idioma y subtítulos.

[Donatien]

En Mexico hasta las series de tv las emiten subtituladas.

Yo creo que con las tv digitales se debería dar SIEMPRE la posibilidad de elegir idioma y subtítulos.

Totalmente de acuerdo, pero no solo las tv, tambien todos los dvd, algunas ediciones son vergonzosas.

[ronindo]

La elipsis

Voy a tratar un tema al que he echo mención antes, la elipsis, que creo que es muy importante a pesar de que muchos directores actuales parecen desconocer su correcto uso

La elipsis hace referencia a eludir algo. Se trata de obviar determinadas escenas para no ser redundantes, demasiado explícitas, para estimular la imaginación del espectador, añadir efectos dramáticos o por simple buen gusto.

Para su uso se recurre a los típicos fundidos en negro o sencillamente a un cambio de escena o plano.

No se trata de un modo de autocensura. El cine no debe ser un fiel reflejo de la vida con todos los detalles. Hay cosas que se dan por supuesto y no ha de ser necesario mostrarlas. Todos sabemos lo que ocurre cuando los protagonistas cierran la puerta de su dormitorio, o los efectos de un disparo sobre un cuerpo humano, pero no siempre ha de ser mostrado con todo lujo de detalles.

Como ejemplo de sutileza y uso adecuado de la elipsis cabría recordar a Ernest Lubistsch, con cuyo famoso “toque” impregnaba de elegancia todas sus obras y que posiblemente logró su máximo esplendor en “Una mujer para dos” en la que dos hombres comparten piso y amante sin mostrar ni una sola escena escabrosa y obviando cualquier referencia sexual directa en unos diálogos irónicos y pícaros.

Un cambio de secuencia, un correcto uso de los fundidos, un dialogo sugerente (la elipsis no es sólo para las imágenes), pueden delimitar la barrera entre el buen y el mal gusto. Lo elegante de lo ordinario.

Lamentablemente el cine moderno parece haber olvidado dichos trucos y atacan nuestras retinas con todo tipo de escenas de cama, tiros a bocajarro, cabezas reventadas, mutilaciones y demás atentados a la estética y el buen gusto que poco añaden a la riqueza de una historia y que sólo distraen del vació de sus guiones, olvidando la máxima “menos es más”

Puede que mis opiniones suenen a radicales o mojigatas, nada más lejos de la realidad. Creo que films como “La Lista de Schinler”, “Salvar al soldado Ryan” o “American me” perderían todo su impacto crítico si se eliminase la crudeza de ciertas imágenes. Yo a lo que voy es al uso (y abuso) de los recursos efectistas sin base argumental, al “enseño porque puedo” o a la búsqueda de cierta comercialidad. Así lo que realmente se coarta es la imaginación del espectador.

¿No sugiere muchas más connotaciones perversas la “partida de tute” al final de “Viridiana” que el “menage a trois” que indicaba el guión original? (caso claro en que la censura estimuló la creatividad de Buñuel).

¿No es más reveladora la sonrisa lujuriosa de Catherine Deneuve en “Belle de jour”, tras acostarse con el gordo oriental, que lo que mostrar lo que realmente ha pasado en esa habitación minutos antes?

Un par de ejemplos que me comentó un forero da muestras de lo variada que puede ser una elipsis para marcar el paso del tiempo:

A propósito del tema de la elípsis, no me resisto a explicaros una elipsis que me encanta. Es de la película de los Cohen "el gran salto".
Hay una escena en la que una secretaria lee un libro, creo que Ana Karenina, mientras detras suyo se ve a traves de un cristal translúcido las sombras de dos ejecutivos discutiendo sobre la comercialización del invento del protagonista. Pues bien, en el siguiente plano aparece la misma secretaria con los ejecutivos que seguian discutiendo, pero esta vez la secretaria estaba leyendo.... ¡Guerra y Paz!.

Otra que me gustó mucho es de la película "el angel azul". Cuando el profesor esta fatalmente enamorado de Lola Lola, hay una escena en la que descubre una serie de fotografias de la artista en su maleta. Al preguntarle respecto a ellas, le contesta que es para sacar algún dinero vendiéndolas después del espectáculo. El profesor, en un ataque de celos y haciendo honor a la dignidad que se supone en un hombre de su posición, le dice vehementemente que mientras él este alli, con ella, nunca hará falta que se vendan esas fotografias. En la escena siguiente aparece el profesor, ya derrotado, hundido, vendiendo tristemente las fotografias por el cabaret. Para mayor humillación, solo una o dos personas se interesan en ellas. Esta elipsis marca de manera prodigiosa uno de los puntos de inflexión mas importantes de toda la película. Genial.

Sobre la censura y la elipsis nadie mejor que el maestro Billy Wilder de su época como guionista de otro maestro, Ernst Lubitsch:
Cómo burlar la censura.

Teníamos que ser muy ingeniosos para burlar a la censura y esto nos obligaba a escribir con más sutileza. No estaba permitido que un personaje dijera ni siquiera una insignificante palabrota como cabrón o hijo de perra. Una vez, a Charlie Brackett y a mí se nos ocurrió este sustitutivo: "Si tuvieras madre, ella ladraría".
No se podía ver en una película a un hombre follando con una mujer con la que no estaba casado. Ni siquiera se podía ver a una pareja en una cama al mismo tiempo. Por lo que se refería a la oficina Hays (la que se encargaba de aplicar el Código de Censura sobre las películas) todos los dormitorios del mundo tenían camas separadas. Así que el problema era cómo mostrar a ese hombre y a esa mujer haciendo el amor. Alguien lo resolvió con una parte en la que la criada hace la cama del hombre a la mañana siguiente y sobre la almohada encuentra una horquilla. Lubitsch era el genio de lo que yo llamo el truco de la horquilla en la almohada. Quiere mostrarte, digamos, a un hombre y una mujer que tienen una relación apasionada. Primero, una escena en la que se besan ardientemente la noche anterior. Después... fundido en negro, y a la mañana siguiente... los vemos desayunando. Ah, pero cómo sorben el café y cómo devoran las tostadas. No cabe duda de que han satisfecho otros apetitos. En aquel tiempo, la mantequilla se untaba en la tostada y no en el culo; pero había más erotismo en esa escena del desayuno que en todo El último tango en París (1972).
Lubitsch hacía caso omiso de si la censura era estricta o flexible. No recuerdo haber visto nunca un desnudo en una película suya, ni gente echando un polvo.
Hoy en día vas a ver una película y ya hay un coito mientras aparece el título... ¡en el título de la película!. A Lubitsch nunca se le hubiera ocurrido hacer algo así. Su mente no funcionaba de esa manera. Te enseñaba lo justo para excitarte...
Las películas de Lubitsch no eran censurables y, sin embargo, eran mucho más eróticas que las que se hacen ahora. A veces desearía que existiera la censura, porque se nos ha esfumado la diversión, el juego sagaz que manteníamos con ella.